Arte experimental
Cézanne, Van Gogh y Gauguin fueron tres desesperados solitarios que trabajaron con pocas esperanzas de ser comprendidos nunca. Pero los problemas de su arte, sentido tan intensamente por ellos, fueron advertidos por un gran número de artistas posteriores, de una generación más joven, que no se encontraban satisfechos con la técnica que habían adquirido en las escuelas de arte. EStos artistas aprendían ahora a representar la naturaleza, a dibujar correctamente y a manejar discretamente el color y los pinceles; habían asimilado las enseñanzas de la revolución impresionista y se adiestraban en expresar las mdulaciones del aire y de la luz del sol. Algunos grandes artista perseveraron en este damino e hiciéronse adalides de los nuevos métodos en países en los que la resistencia ante el impresionismo aún era fuerte, y eran muchos los pintores de la nueva generación que buscaban nuevos métodos para resolver, o al menos evitar, las dificultades que Cézanne había puesto de manifiesto.
Básicamente estas dificultades procedían del choque entre la necesidad de la gradación tonal para sugerir profundidad y el deseo de conervar la belleza de los colores como la vemos. El arte de los japoneses les convenció de que un cuadro podía causar impresión más fuerte si se renunciaba al volumen y haciendo caso omiso a la sensación de profundidad, y Seurat aún había ido más lejos en sus experimientos con el puntillismo.
Pierre Bonard mostró una habilidad y sensibilidad especiales a la hora d esugerir una sensación de luz y color oscilando en el lienzo como si fuera un tapiz. Su cuadro de una mesa puesta 
demuestran como evitaba poner el acento en la perspectiva y la profundidad para hacernos disfrutar de un esquema cromático.
El pintor suizo Ferdinand Hodler todavía simplificó más audazmente los paisajes de su tierra natal para lograr que de este modo adquireran la claridad propia de un cartel
El arte del siglo XX perderá la estabilidad.
Los artistas descubrieron que la sencilla exigencia de que debían pintar lo que veían era contradictoria ya en sí.
Tal aseveración parece una de las paradojas con que los artistas y críticos modernos gustan de importunar al paciente y sufrido espectador. Pero se trata de algo que alos que hayan seguido este tema desde un principio resultará fácil de comprender.
El artista primitivo construía un rostro extrayéndolo de formas sencillas más que copiando un rostro real.
Los egipcios represetaban lo que conocían y no sólo lo que veían
La pintura griega y romana infundió vida a formas esquemáticas
El arte chino se centró en la contemplación
Nada impulsó al artista a pintar lo que veía. Esta idea no tuvo su inicio sino hasta el Renacimiento. Y en principio todo parecía andar muy bien. La perspectiva científica, el sfumato, los colores venecianos, el movimiento y la expresion se agregaron a los medios del artista para representar el mundo en torno a él; pero cada generación descubrió que aún existían focos de resistencia insospechados, bastiones de convencionalismos que hacían que los artistas aplicasen formas que habían aprendido a pintar más que, realmente, ver.
Los rebeldes del siglo XIX propusieron proceder a una limpieza de todos esos convencionalismos. Y uno tras otro fueron suprimidos, hasta que los impresionistas proclamaron que sus métodos permitían reproducir sobre el lienzo el acto de la visión con exactitud científica.
Los cuadros obtenidos de acuerdo con esta teoría fueron obras de arte muy sugestivas, pero esto no debe impedir que observemos que su verdad se quedó a medias. Y la siguiente generación la tomó para desnudarla.
Los experimentos del art nouveau acudieron a las estampas japonesas con la esperanza de resolver la crisis, pero porqué recurrir a lo refinado, ¿no sería mejor regresar al principio?
Máscaras y fetiches de pueblos primitivos despertaron más interés en la primera mitad del siglo que el Apolo Belvedere.
Aunque las tradiciones del arte tribal son mucho más complejas y menos primitivas de lo que creyeron los artistas europeos.
Para bien o para mal, los artistas del siglo XX tuvieron que hacerse inventores. Para llamar la atención tenían que procurar ser originales enlugar de perseguir la maestría que admiramos en los grandes artistas del pasado.
Cualquier ruptura con la tradición que interesar a los críticos y atrajera seguidores se convertía en un nuevo ismo forjador del futuro.
Ese futuro no siempre era muy duradero y sin embargo la historia del arte del siglo XX debe tomar nota de esta inquieta experimentación, porque mcuhos de los artistas con más talento de esta época se sumaron a esos esfuerzos.
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Bueno, aquí estamos.
Nunca pensé que volvería a intentarlo.
Pero encontré tiempo y ganas.
