TEMARIO ENSEÑANZAS MEDIAS: GEOGRAFÍA, HISTORIA Y ARTE
EMARIO PARA PROFESORES DE E.S.O Y B.A.T

1.-En busca de nuevas concepciones: finales del siglo XIX

     Aparentemente la terminación del siglo XIX fue un periodo de gran prosperidad y hasta puede decirse que feliz; pero artistas y escritores, considerándose outsiders se sentían paulatinamente más y más insatisfechos (la individualidad y la insatisfacción fueron las dos grandes novedades que el siglo XIX introdujo en la historia del arte) con los fines y procedimientos del arte que gustaba al público.

  La arquitectura ofreció el blanco más fácil para sus ataques, había evolucionado hasta convertirse en una rutina sin sentido. Recordemos que se levantaron grandes bloques de viviendas, fábricas y edificios públicos en las ciudades que se extendían vastamente, con una mezcolanza de estilos carentes de toda relación con la finalidad arquitectónica ( las iglesias prefirieron el estilo gótico que fue el que mejor reflejó su gloria; los teatros se decantaron por las grandes fachadas barrocas, los edificios civiles y administrativos por el equilibrio renacentista etc)  A menudo parecía que los ingenieros había empezado a erigir una estructura para satisfacer las exigencias naturales del edificio y después se le hubiesen adherido unas migajas de "Arte" a la fachada en forma de adornos, tomados de un repertorio de patrones de los estilos históricos. Resulta extraño comprobar hasta qué punto la mayoría de los arquitectos se contentaron con este procedimiento. El público pedía esas columnas, pilastras, cornisas y molduras, y los arquitectos las proporcionaban.

 Pero hacia finales del siglo XIX un número creciente de personas se dio cuenta de lo absurdo de esta costumbre. Del estancamiento de la arquitectura.

 En Inglaterra en particular, críticos y artistas se sintieron a disgusto con esa general decadencia del oficio ocasionada por la revolución industrial, irritándose a la sola vista de esas imitaciones en serie, sucedáneos estridentes.

 John Ruskin y William Morris ambicionaron una completa reforma de las artes y los oficios, así como la sustitución de la producción en masa por el producto manual concienzudo y lleno de sentido. El influjo de sus censuras se difundió ampliamente, aún cuando el humilde trabajo manual por el que abogaban, demostró ser, en las condiciones modernas, el mayor de los lujos.

  Su propaganda no podía seguramente llegar a abolir la producción industrial en masa, pero contribuyó a abrir los ojos de las gentes a los problemas que ésta creó y a desarrollar la afición por lo auténtico y sencillo.

   Ruskin y Morris confiaron también en la regeneración del arte mediante el retorno a las condiciones medievales. Pero era más de lo mismo. Muchos artistas ansiaban un arte nuevo, cimentado en una nueva concepciòn  de fines y posibilidades inherentes a las nuevas materias.

  Esta bandera de un nuevo arte o "art nouveau" fue izada en la década de 1890. Los arquitectos tantearon nuevos tipos de adornos y de materiales.  El acero y el cristal hicieron su irrupción en el arte. Y los ojos de los arquitectos, cansados de la tradición occidental y de la repetición de sus patrones, volvieron los ojos al arte del Lejano Oriente.

 Victor Horta rescató el sinuoso arte japonés.

 

 También este sentimiento de incomodidad llegó al terreno de la escultura y la pintura.  De aquí derivaron diversas tendencia a las que denominamos "arte moderno" Algunos considerarn a los impresionistas los primeros modernos porque desafiaron ciertas normas de la pintura tal como eran enseñadas en las academias; aunque conviene recordar que mantuvieron los temas, y su oposición no fue tanto en el fin a alcanzar sino en los medios. Todos querían captar la naturaleza, la luz, tal y como era.

    Pero una vez triunfaron sus métodos,  resueltos los problemas visuales con la técnica impresionista, aparecieron nuevos retos, nuevos problemas.  Así un artista como Cezanne se propone "rehacer Poussin al natural"  , es decir, que los viejos maestros clásicos consiguieron un equilibrio y una perfección prodigiosos, en "Et in Arcadia ego" Poussin consiguió una armonia insuperable, todo es preciso, nada es dejado al a casualidad. Esto pretendía Cezanne. Esta gravedad. Pero para ello había que pagar un precio: No respetar la naturaleza tal y como la vieron.  Y aunque admirador del color, de los nuevos métodos impresionistas, Cezanne creyó que había llegado el momento de superar esta perfección en la captación de la naturaleza tal y como la luz la ofrece a la retina humana. Cierto que los cuadros impresionistas eran brillantes, pero también confusos.

 Estamos entrando en la revolución del cubismo que después desarrollarán hasta el extremo Picasso, Gris, Braque.

  Mientras Cezanne trataba de conciliar el impresionismo con el orden, un joven artista, Seurat, trató el problema como una ecuación matemática. Empleando la técnica impresionista como punto de partida estudió la teoría científica de la fusión cromática y decidió construir sus cuadros por medio de minúsculos toques uniformes de color puro. Como un mosaico. El objetivo era mezclar los colores en la retina y no en el cuadro. Esta técnica tan radical conocida como puntillismo ponía en peligro la legibilidad del cuadro, pues prescindía de contornos. De ahí que el artista se viese obligado a simplificar las formas en líneas horizontales y verticales, apartándose cada vez más de la representación natural y entrando en caminos de un arte elejado de la forma y de la figura.

    También un artista autodidacta como Van Gogh había asimilado las lecciones del impresionismo y el puntillismo. Los puntos y trazos puros de los anteriores artistas en sus manos se convirtieron en agitación.  No había en esta obra un afán de perfección sino la ansiedad por reflejar su sentimiento en el cuadro. Así llegó por diferentes caminos a una coyuntura similar a la de Cezanne, pero tomó la trascendental decisión de abandonar deliberadamente los fines que hacían de la pintura una imitación de la naturaleza. Cezanne también pero por un afán de sinceridad con lo que veía, explorando relación entre forma y color utilizando la llamada "perspectiva correcta" sólo cuando era necesaria para su experiencia particular. La sinceridad de Van Gogh iba más consigo mismo que con el cuadro: estaba abriendo las puertas al expresionismo pictórico.Uno y otro, sin proponerse hacer revolución en el arte, estaban derribando murallas de siglos.

   Gauguin también se introdujo en esta línea de un arte más poderoso que las pasiones humanas y como antes hicieran otros artistas (Delacroix en Argel por ejemplo) buscó fuera de Europa y de la revolución industrial esa pureza y esa fuerza. Se trataba de rescatar lo "bárbaro" lo no civilizado, ignorando de buen gusto los seculares problemas del arte occidental.

  Cezanne, Van Gogh y Gauguin fueron tres desesperados solitarios que trabajaron con pocas esperanzas de ser comprendidos nunca.

 Pero los problemas que pusieron sobre el lienzo fueron advertidos por muchos artistas posteriores, más jóvenes, insatisfechos con la técnica de las escuelas de Arte.

 El arte entraba en el camino "experimental". Las vanguardias convertiran un mundo estático durante años en un cambio contínuo, una revolución permanente.

2- Arte experimental: primera mitad siglo XX

Cuando se habla de arte moderno se piensa generalmente en un tipo de arte que ha roto por completo con las tradiciones del pasado y que trata de realizar cosas que jamás hubiera imaginado un artista de otras épocas.

  A algunos les gusta la idea de progreso y creen que el arte debe marchar al paso del tiempo, otros creen en el feliz tiempo pasado y creen que el arte moderno no vale nada.

  Pero nada es tan simple, el arte moderno surge como el pasado como respuesta a unos problemas concretos.

  Los que deploran la ruptura con la tradición deberían rectroceder más allá de 1789, antes de la Revolución Francesa porque fue entonces cuando los artistas emepzaron a adquirir conciencia de los estilos y a investigar y emprender nuevos movimientos, que por lo general produjeron un nuevo ismo como grito de batalla.

  Lo más extraño es que la rama del arte que más había sufrido por la general confusión fuese la que mejor consiguiera triunfar en la creación de un nuevo estilo. La arquitectura moderna tar´do en ser aceptada, pero sus principios se hallan ahora tan firmemente establecidos que pocos serían los que se atrevieran a discutirlos exigiendo una vuelta de lo clásico.

  Superado el Art Nouveau, la nueva arquitectura se desembaraza de adornos viejos o nuevos, y los nuevos arquitectos rechazaron de plano toda decoración y se entregaron a la construcción de arquitecturas puras.

 En ningún sitio se dejó sentir este nuevo criterio tanto como en USA donde el progreso tecnológico estaba mucho menos frenado por el peso de la tradición. 

 El arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright concibió la idea simple y no por ello menos revolucionaria que lo importante de una casa son las habitaciones y no la fachada.  Para Wright una casa debía construirse en primer lugar por las necesidades humanas, pero sin dejar de lado el caracter del lugar en tanto organismo vivo.

 La Bauhaus de Dessau intentó demostrar que arte e ingenieria no tenían porqué estar divorciados. (esta escuela fundada por Walter Gropius, fue clausurada por la dictadura nazi).-

  Pues si bien en arquitectura las creaciones e innovaciones son acogidas de buen grado, no es así en pintura y escultura, donde la gente piensa que el artista no es tal y que su obra, alejada de la naturaleza y el concepto clásico de belleza, demasiado fácil de construir, es una tomadura de pelo.

     Pero ¿ qué es lo que debe experimentar un pintor y por qué no se ha de contentar con sentarse ante la naturaleza y pintar lo mejor que sepa? La respuesta parece resideri en que el arte ha perdido su estabilidad, porque los artistas han descubierto que la sencilla exigencia de que deben pintar lo que ven es contradictoria en sí.

     Pero un artista primitivo construía, no copiaba, un rostro, extrayendo formas sencillas, más que copiando un rostro real.

   A menudo hemos retrocedido a los egipcios y a su procedimiento de captar lo que conocían y no lo que veían. El arte griego y romano infundieron vida a estos esquemas, no se preocuparon por lo que veían tampoco. El arte medieval empleó esquemas para contar la historia sagrada. El arte chino usó esquemas para la contemplación.

  Entonces por qué esa obsesión por la "honestidad" del arte, por el "arte difícil" que debe copiar lo que ve, llegando a considerar no serio un arte alejado del modelo natural.

 Esta idea nació en el Renacimiento, con el descubrimiento de la perspectiva, el sfumato, el color veneciano, el movimiento y la expresión.

 Los pintores rebeldes del XIX propusieron proceder a la limpieza de todos esos convencionalismos y uno trás otro fueron suprimidos hasta que los impresionistas proclamaron que sus métodos permitían reproducir sobre el lienzo el cato de la visión con exactitud científica.

  Los cuadros impresionistas fueron obras de arte muy sugestivas, pero su idea fue una verdad a medias. Nunca se puede separar limpiamente lo que se ve de lo que se sabe. La siguiente generación superó al impresionismo y llevó a sus integrantes a rechazar la tradición artística occidental, para recobrar lo primitivo.

 El art nouveau recurrió al sinuoso arte japonés y a la naturaleza. Van Gogh, Cezanne y Gauguin reescribieron el arte buscando la sinceridad tanto exterior como interior y los orígenes.  Para bien o para mal la innovación iba a ir de la mano del arte del siglo XX. Cualquier ruptura con la tradición se convertía en un nuevo ismo.

 El noruego Munch nos muestra la angustia y la soledad del ser humano a través de líneas sinuosas, no era la belleza lo que el expresionismo trató de llevar al arte sino la angustia, el malestar del ser humano. La artista alemana Kollwitz creará  conmovedores grabados sobre el mundo sin esperanza de la pobreza.

  Se fundará en Alemania Die Brücke para provocar esa ruptura total con el pasado y luchar por el arte nuevo.

Nolde comenzó en el grupo pero se distanció pronto.

Barlach y Kokochtka indignaron al mundo por su negativa a ofrecer el lado bello del mundo en el arte. El arte no tenía por qué imitar nada, era una vía de expresión de sentimientos humanos.

  Estaban abriendo la puerta a una revolución artística: el fin radical de toda imitación. El fin de la figura en el arte. El primer artista que eliminó la figura en su obra fue Kandisky quien consideró los colores puros y su vinculación con la música: el rojo brillante y el toque de clarín.  De ahí sus tentativas de música cromática que iniciaron lo que actualmente conocemos como arte abstracto que llegará a soluciones tan radicales como las de Mondrian o Nicholson quien llegó a negar el color y basar su arte en las figuras simples.

 

 Abstracto en el esntido de no objetivo y no figurativo.

 En Paris, se estaba engendrando otro movimiento cuya evolución destruiría la figura como lo hizo la abstracción. El cubismo pretendía introducir la solidez, la incidencia de la luz sobre los elementos, la descomposición de la figura para descubrirla lo más sinceramente posible. El gran genio de esta corriente iba a ser el español Picasso y el suizo Klee.

 Brancusi o Moore rompen con la idea de Michelangelo de eliminar la piedra para encontrar la esculura para investigar cuanta piedra, materia, se puede conservar hasta descubrir lo que hay dentro.

  Otro grupo de artistas en el Paris de principios del siglo XX se bautizaron a sí mismos como los "fauves" Como Bonard, Matisse, su mejor representante, quiso transmitir el centelleo de la luz pero fue más lejos, creando un lienzo exclusivamente decorativo. 

   En la escultura Calder impresionado por el arte de Mondrían  intenta dar salida a la abstracción en la escultura, el reflejo de las leyes de las matemáticas en el universo, de ahí surgieron sus móviles con la suspensión de objetos de colores girando y oscilando.

  La búsqueda de la pureza traería nuevos ismos como el movimiento Dadaista a cuya cabeza encontramos los ingenuos cuadros de Rousseau,  Wood

 Otro camino quedaba por explorar: la fantasía. Apenas tocado en el arte del pasado. Una serie de artistas llaman la atención a los nuevos pintores: el Bosco, Zuccaro, El Goya de los disparates descubren un mundo donde lo onírico sale a la luz.

 Este mensaje es captado por pintores ocmo Chirico, Magritte, Dalí o el escultor Giacometti: el surrealismo intenta recuperar el mundo más recóndito y misterioso del hombre. Los sueños se plasmarán en los lienzos.

Todo esta innovación ilimitada se revelará en la segunda mitad del siglo XX con el triunfo absoluto de las vanguardias.